La Semana de la Moda de Vancouver Otoño/Invierno 2026 fue una auténtica celebración de la creatividad global, con una extraordinaria alineación de diseñadores emergentes que redefinieron los límites de la moda. La edición de este año apostó por la innovación audaz, y cada colección ofreció una perspectiva fresca y visionaria que enganchó plenamente al público y a los líderes del sector. Más allá de la estética, muchos diseñadores utilizaron su visibilidad para abordar cuestiones sociales y medioambientales urgentes, entretejiendo la sostenibilidad y las narrativas significativas en su trabajo. Desde materiales de vanguardia hasta conceptos innovadores, estas colecciones encarnaron una fusión de arte y propósito. La energía de la FW26 impregnó todo el evento, reafirmando el papel de la Semana de la Moda de Vancouver como catalizador del cambio y trampolín para el futuro de la moda.
PRIMER DÍA
RICHARD WEI
En la Semana de la Moda de Vancouver de esta temporada, el diseñador canadiense Richard Wei inauguró el Otoño/Invierno 2026 con su colección *City Lights*, una evocadora exploración de la vida urbana al anochecer. Inspirada en el ritmo y el brillo de la metrópolis moderna, la colección tradujo las calles iluminadas, la arquitectura reflectante y los movimientos nocturnos en un refinado lenguaje de diseño. Mediante una confección precisa, siluetas estructuradas y texturas luminosas, las prendas capturaron la dinámica interacción entre luces y sombras que define la vida en la ciudad. Como desfile inaugural, *City Lights* marcó el tono de la temporada, encarnando la energía, la elegancia y el estilo de vida en evolución del paisaje urbano contemporáneo.
—————————————————————————————
SENTIDO HIPNÓTICO
Para la temporada Otoño/Invierno 2026, Hypnotique Sense presenta *ruinphilia*, una colección que explora una profunda fascinación por la decadencia como forma de transformación. Arraigada en el enfoque de la casa sobre la belleza estructural y subconsciente, la colección hace hincapié en formas drapeadas que equilibran la fluidez y la tensión, guiando sutilmente al ojo a través de percepciones alteradas del movimiento y la gravedad. Mediante técnicas como el teñido de óxido, los tratamientos con carbón y los pigmentos botánicos, los materiales evolucionan con el tiempo, reflejando un diálogo entre la vida orgánica y los sistemas artificiales. En *ruinfilia*, la decadencia no es un fin, sino una redefinición de la estructura: una expresión inmersiva que transforma el deterioro en un nuevo lenguaje de la belleza.
———————————————————————————————
AY LELUM
Para la temporada Otoño/Invierno 2026, Hypnotique Sense presenta *ruinphilia*, una colección que explora una profunda fascinación por la decadencia como forma de transformación. Arraigada en el enfoque de la casa sobre la belleza estructural y subconsciente, la colección hace hincapié en formas drapeadas que equilibran la fluidez y la tensión, guiando sutilmente al ojo a través de percepciones alteradas del movimiento y la gravedad. Mediante técnicas como el teñido de óxido, los tratamientos con carbón y los pigmentos botánicos, los materiales evolucionan con el tiempo, reflejando un diálogo entre la vida orgánica y los sistemas artificiales. En *ruinfilia*, la decadencia no es un fin, sino una redefinición de la estructura: una expresión inmersiva que transforma el deterioro en un nuevo lenguaje de la belleza.
——————————————————————————————
SECONDO GIORNO
VCC
Los graduados del curso de Diseño y Producción de Moda del Vancouver Community College presentaron sus colecciones finales en la Semana de la Moda de Vancouver Otoño/Invierno 2026, culminación de dos años de formación intensiva centrada en la industria. El programa, diseñado para reflejar el ritmo frenético del mundo de la moda, proporciona a los estudiantes conocimientos técnicos esenciales y experiencia en el uso de herramientas como Adobe Illustrator y Gerber CAD. Cada diseñador presentó un proyecto final de ropa de diseño propio, en el que se ponía de relieve su identidad creativa y su destreza artesanal. La cohorte 2026 estaba formada por Ana Julia Silva Pereira, Ana Maria Cilima, Bita Tazikeh, Charlene Yin, Jessica Ursua, Prabhdeep Kaur, Saffron Thomas, Samentha Burboz, Sonja Ledoux, Tamara Whitford, Veronica Pleskach y Vinnie Lee.
————– ———————————————————————–
ACANTILADO DE DUNNE
DUNNE CLIFF presentó *DENDROCHRONOLOGY, or The Life of NED LUDD [FW26]* en la Semana de la Moda de Vancouver, explorando el rechazo del tiempo digital y una vida vivida más allá de los sistemas modernos mediante la ruptura simbólica de los patrones. La colección reunía materiales táctiles e inspirados en la tradición, como fieltro de lana, tejidos de punto, telas de tapicería, madera y tejidos teñidos con tintes naturales, haciendo hincapié en un retorno a la artesanía lenta y deliberada. Arraigados en el proceso físico y la materialidad, los diseños reflejan una resistencia meditada al ritmo de la vida contemporánea. Algunos looks se han realzado con cerámica hecha a mano por la artista local Courtney Mott, lo que añade una dimensión escultórica y artesanal a la presentación.
————– ———————————————————————–
Somaya Ahmadi
Para el otoño/invierno de 2026, Somaya Ahmadi presentó *BODIES IN QUESTION* en la Semana de la Moda de Vancouver, una colección que explora cómo el cuerpo femenino está moldeado por el escrutinio, las expectativas y la memoria heredada. Mediante hombros arquitectónicos, sastrería precisa y cinturas estructuradas, las siluetas afirman presencia y disciplina, mientras que los momentos de drapeado introducen una suavidad que perdura sin cesar. Sutiles toques de rojo emergen como un pulso discreto bajo un aspecto compuesto, mientras que discretos acentos dorados actúan como una armadura moderna, reforzando la resistencia como algo construido deliberadamente. Con modelos tanto maduros como jóvenes, la colección refleja la evolución de la postura, la protección y la identidad a través de las generaciones, invitando en última instancia a la reflexión más que a la resolución.
————– ———————————————————————–
Bahare Karamy
Para el Otoño/Invierno 2026, Bahare Karami presentó en la Semana de la Moda de Vancouver una colección inspirada en pinturas de finales del siglo XIX y principios del XX, que traducía la luz suave, la emoción poética y la elegancia clásica parisina en llamativas prendas de mujer con un aire vintage. Los diseños presentaban siluetas atrevidas pero femeninas, cortes refinados y finos detalles que transmitían una serena confianza y una elegancia atemporal. Inspirándose en influencias históricas, la colección exploró temas de identidad, profundidad y fuerza perdurable. A través de esta perspectiva, Bahare Karami rindió homenaje a la narrativa evolutiva de la mujer a través de las generaciones, con un toque de sofisticación moderna.
————– ———————————————————————–
Thomas Clément
En la Semana de la Moda de Vancouver, Thomas Clément presentó *Magnolia Wind*, una colección que reinterpreta los códigos históricos del vestir, reconstruyéndolos en prendas suspendidas entre el pasado y el presente. En un equilibrio perfecto entre estructura y movimiento, los diseños evocan la imagen de una magnolia barrida por el viento, expresada a través de volúmenes escultóricos y superficies ricamente texturizadas, desarrolladas mediante técnicas textiles experimentales. Una vibrante paleta de colores infunde energía a la colección, reforzando los temas de la transformación y la fluidez. Las icónicas cremalleras deconstruidas se transforman en elementos similares a plumas, que introducen movimiento a la vez que sirven como componentes ornamentales y estructurales.
————– ———————————————————————–
Teori Kobo Oriiro
Para la presentación de esta temporada en la Semana de la Moda de Vancouver, la diseñadora presenta una colección profundamente personal arraigada en la filosofía del tejido saori. Descubierta en un momento crucial de su vida, esta práctica se ha convertido en una fuente de confianza y libertad creativa, permitiéndole abrazar la imperfección y la individualidad mediante un enfoque intuitivo sin patrones predefinidos. Tras abrir su taller hace seis años, ha seguido compartiendo este arte con los demás, fomentando la comunidad, la conexión y la autoexpresión a través de su trabajo. Guiada por un compromiso con la inclusión y la sostenibilidad, sus creaciones hacen hincapié en la versatilidad, el mínimo desperdicio y la creencia de que todo el mundo puede encontrar confianza y alegría al expresar su identidad única.
————– ———————————————————————–
Otro Coyote
Para la colección Otoño/Invierno 2026 de la Semana de la Moda de Vancouver, Another Coyote presentó *Indigenous Wearable Art for Everyone*, una colección que fusiona las enseñanzas tradicionales con el diseño contemporáneo prêt-à-porter. Cada prenda cuenta historias a través de símbolos y colores, representando temas como el liderazgo, el amor, el poder, el conocimiento tradicional y la comunidad, al tiempo que comparte conocimientos ancestrales a través de formas ponibles. La marca está dirigida por la diseñadora Naomi Narcisse (nombre tradicional Skel7áw̓s), miembro de las Naciones St’át’imc y Secwépemc, que también trabaja en el mundo académico y en iniciativas para los pueblos indígenas. A través de esta colección, Another Coyote hace hincapié en la inclusividad, la continuidad cultural y la expresión de la identidad a través de la moda como arte vivo.
TERZO GIORNO
Nathee Rav
La diseñadora emergente Nathee Rav presentó su colección *Unchained* en la Semana de la Moda de Vancouver, una obra profundamente personal que fusiona moda y narración. La colección explora los temas del trauma, la curación y la autoliberación, utilizando telas en capas para simbolizar las barreras protectoras que los individuos construyen con el tiempo, así como las vulnerabilidades ocultas bajo ellas. Las intrincadas texturas ramificadas aluden a cómo las experiencias no resueltas pueden arraigar y dar forma a la identidad, mientras que los atrevidos acentos rojos transmiten el valor y la intensidad necesarios para enfrentarse al propio pasado. Más allá del diseño tradicional de ropa, *Unchained* es una expresión conceptual de resiliencia, que representa la curación como un proceso continuo de transformación, emancipación y reapropiación de la propia narrativa.
————– ———————————————————————–
CLDCMNTY
CLDBOY presenta *LMFAO | CLDCMNTY 001* en la Semana de la Moda de Vancouver Otoño/Invierno 2026, marcando el debut de su audaz e innovadora visión del streetwear. Nacido y criado en el norte de Vancouver, el diseñador estudió en el Centro Blanche Macdonald y lanzó CLDCMNTY («Comunidad Fría») en el verano de 2025, obteniendo rápidamente el reconocimiento con un premio VFW para presentar esta colección. *LMFAO* se define por su energía fuerte y salvaje, caracterizada por bordes desgastados, tejidos hechos a mano y siluetas provocativas que evocan curiosidad, obsesión e incomodidad. Arraigada en temas de valentía, androginia y autoexpresión sin concesiones, la colección invita a quien la lleva a abrazar el caos y, simplemente, a reírse sin reparos.
————– ———————————————————————–
Benjamin Reitmeier
Benjamin Reitmeier presenta *Someone Else*, una colección que explora la libertad de evolucionar y el valor de abrazar la propia multiplicidad interior. Utilizando la moda como herramienta de autoexperimentación, la colección plantea una pregunta provocadora: ¿en quién podrías convertirte si te permitieras ser otra persona? Una mezcla dinámica de cuero, tela vaquera, malla, lana y seda crea un sorprendente equilibrio entre fuerza y transparencia, fusionando la estructura industrial con la suavidad orgánica. En última instancia, *Someone Else* revela que la transformación no consiste en convertirse en algo nuevo, sino en descubrir las múltiples identidades que ya existen en nuestro interior.
————– ———————————————————————–
Ricardo Pinto
Nacida en Manaos, la diseñadora desarrolló una profunda conciencia del valor del agua desde una edad temprana, reconociendo que incluso en una región rica en recursos hídricos el acceso no está garantizado, desarrollando así un fuerte compromiso con la sostenibilidad. Tras pasar años en el mundo de la moda, siendo testigo de la sobreproducción y el despilfarro, empezó a reutilizar materiales de desecho, adoptando finalmente el upcycling como práctica artística y enfoque responsable del diseño. *Lush Nature* se inspira en la tela vaquera reciclada, transformando los vaqueros desechados en prendas expresivas y únicas. La colección presenta capas de tonos y texturas de tela vaquera reciclada, enriquecidas con placas geométricas transparentes de resina aplicadas a mano en tonos moteados y orgánicos. Estos elementos crean un diálogo táctil entre la materia prima y la intervención refinada, fusionando estructura y fluidez. Arraigada en la sostenibilidad, *Lush Nature* reinventa los residuos como recurso, haciendo hincapié en la creatividad, la individualidad y la conciencia medioambiental.
————– ———————————————————————–
Lidia Chep
Esta colección explora la esencia de la energía femenina a través de un diseño lujoso, abrazando la transformación como una fuerza edificante e inspiradora. Combinando la sastrería estructurada con intrincados bordados a mano, cada prenda se confecciona en cantidades limitadas, destacando la precisión, la artesanía y la atención al detalle. Una rica trama de materiales y técnicas confiere profundidad y sofisticación a cada silueta. En esencia, la colección cuenta una historia de feminidad, individualidad y fuerza interior, celebrando el poder de la presencia para influir y transformar.
————– ———————————————————————–
Julia Van der Leij
*Anemoia* es una colección arraigada en la nostalgia de una época nunca vivida personalmente, que se inspira en la fotografía de los años 60 y 70, los archivos familiares y las evocadoras imágenes de Andy Sweet. Explora los temas de la memoria, la familia y la domesticidad a través de siluetas exageradas, como americanas de gran tamaño, mangas alargadas y característicos cuellos de camisa. Técnicas como los prototipos textiles, el fieltro húmedo y el bordado -que recuerdan al punto de cruz y a los garabatos de la infancia- crean texturas borrosas y descoloridas que reflejan el paso del tiempo. Una paleta de colores vivos y tonos terrosos, junto con matices neutros de beige y marrón, reflejan la calidez y el desgaste de las viejas fotografías y la ropa de trabajo. Las texturas superpuestas y las referencias al papel pintado descascarillado evocan una sensación de historia vivida, capturando el acto lúdico de llevar ropa que evoca recuerdos de la infancia.
————– ———————————————————————–
BLTAM Entre
En la Semana de la Moda de Vancouver FW26, cuatro diseñadores coreanos emergentes presentaron *Beautiful People, Beautiful Lives: Powered by Fashion*, una colección que fusiona el impacto social con la alta costura. Inspirándose en la cuestión de si la moda puede transmitir mensajes significativos, cada diseñador tradujo temas de los Objetivos de Desarrollo Sostenible de la ONU, como la igualdad de género y la educación, en looks de pasarela de gran impacto. Desarrollada a lo largo de cuatro meses bajo la dirección de Bomin Kim, la colección reflejó un riguroso proceso creativo de nivel profesional, desde el concepto hasta la presentación. El resultado fue un desfile de gran impacto que desafió las expectativas, ofreciendo tanto una fina artesanía como un mensaje incisivo en la escena mundial.
————– ———————————————————————–
Isaac Jon
En la Semana de la Moda de Vancouver Otoño/Invierno 2026, el diseñador Isaac Jon creó una colección sorprendente y poco convencional que desdibujaba la línea entre la moda y el arte ponible. Los looks de la pasarela mostraban una audaz experimentación, desde un vestido rojo y negro con motivos geométricos sobre una chaqueta rosa brillante con detalles en oro metálico, hasta un traje escultural con elementos escamados texturizados y paneles transparentes que creaban movimiento a cada paso. Otra prenda destacada adoptaba una estética más acorazada y futurista, con formas metálicas texturizadas y detalles intrincados que evocaban fuerza y resistencia. A lo largo de toda la colección, las siluetas espectaculares, la mezcla de materiales y las combinaciones de colores vibrantes reflejaron el audaz enfoque del diseño de Isaac Jon, convirtiendo cada prenda en una declaración visual de individualidad y transformación.
————– ———————————————————————–
Sophia Chantal
Sophia Chantal Zarifopoulos, diseñadora greco-estadounidense originaria de Nueva York y afincada en Atenas, vuelve a la escena tras su premiado debut con *The Reigning Balkan Princess* en la Semana de la Moda de Atenas. Conocida por su reciclaje de encajes vintage y tejidos tradicionales como la «semedakia» y la «mandilakia», los reinterpreta con energía lúdica, movimiento y un toque de maximalismo balcánico. Su última colección, *The Jungle Feveress*, debutó en la Semana de la Moda de Vancouver, presentando protagonistas femeninas feroces e indómitas, moldeadas por el instinto y la transformación. Cruda, desgarrada y audaz sin concesiones, la colección celebra la feminidad intrépida, invitando a quien la lleva a abrazar sus cicatrices, imperfecciones e historias inacabadas con confianza y fuerza.
————– ———————————————————————–
Llamada y respuesta
Para la temporada Otoño/Invierno 2026, un look destacado de la colección Call & Response presenta una americana oversize entallada que se lleva sobre un vestido fluido y desestructurado, creando un sorprendente equilibrio entre estructura y movimiento. El contraste entre líneas rígidas y suaves drapeados refleja el diálogo constante de la marca entre fuerza y vulnerabilidad. Los detalles refinados, como los cortes asimétricos y las superposiciones de tonos delicados, añaden profundidad sin sobrecargar la silueta. Este look captura la esencia de Call & Response: reflexivo, expresivo y discretamente poderoso.
QUARTO GIORNO
Jef Montes
*Salma* es una colección inspirada en la musa de Jef, Salma Zahore, que encarna la transformación de oruga a mariposa a través de una narrativa vibrante y nostálgica. Desarrollada en colaboración con el artista drag Hadi Moussally, el estilismo amplifica su visión expresiva, con los colores del arco iris, arraigada en los recuerdos de la infancia. La colección incluye tejidos de punto en 3D y tejidos reflectantes de residuo cero, creados con el Instituto Textil Aitex de Alcoy y el TextielLab de Tilburg, que combinan innovación y sostenibilidad. Inspirada en los abuelos de la diseñadora, en concreto en un vestido de novia hecho a mano con un mantel, *Salma* refleja un legado de ingenio, artesanía y coraje creativo.
————– ———————————————————————–
Physalia
Manuel Juárez, artista multidisciplinar nacido en México y residente en Vancouver, explora la intersección de la moda, los medios de comunicación y el cine a través de su marca Physalia. Su obra equilibra crudeza y sofisticación, considerando la ropa como una estructura silenciosa que moldea la presencia y transforma la forma en que el cuerpo se mueve en el espacio. Para el otoño/invierno 2026, presenta *FASTIGIUM*, una colección que examina la tensión entre estructura y vulnerabilidad a través de pesadas sedas e intrincados encajes en tonos de negro obsidiana y rojo intenso. Los hombros esculpidos y las cinturas definidas se suavizan con formas voluminosas y capas translúcidas, expresando una sensación de poder discreta, sensual y segura.
————– ———————————————————————–
Eduardo Ramos
Eduardo Ramos presenta *MATERIA – VI*, una colección que reflexiona sobre el carbono como elemento fundamental que conecta la vida, la materia y la sociedad. Desarrollado en diálogo con SWI, el proyecto fusiona la artesanía de alta costura con la ingeniería monocasco de carbono, expresando el carbono como material de rendimiento y como medio de expresión en la moda. Arraigada en la idea de que la creación significativa se produce lentamente y con precisión, la colección hace hincapié en la producción y la artesanía a pequeña escala. Inspirada en la capacidad del carbono para transformarse manteniendo su esencia, *MATERIA – VI* explora la transformación, la adaptabilidad y las estructuras que dan forma a nuestra existencia.
————– ———————————————————————–
Kanomade
Esta colección reinterpreta el kimono como una prenda contemporánea que celebra la individualidad más allá de la tradición. Inspirada en piezas legadas por la abuela de la diseñadora, cada look refleja la idea de que no hay dos prendas -ni dos personas- iguales. Tejidos de kimono reelaborados se combinan con estructuras en capas para realzar el movimiento, la vestibilidad y la expresión personal. Combinando acentos atrevidos con tonos suaves y delicados inspirados en las telas originales, la colección trae el kimono al presente como una prenda para ser experimentada y encarnada de forma única.
————– ———————————————————————–
Bluetamburin
Bomin Kim, fundadora de BLUETAMBURIN, es una veterana de la industria de la moda coreana cuyo trabajo está impulsado por la misión de crear «Personas bellas, vidas bellas» mediante el poder transformador de la moda. Sus colecciones, reconocidas en todo el mundo, se han presentado en las cuatro principales capitales de la moda: Nueva York, París, Milán y Londres, así como en las Semanas de la Moda de Vancouver y Seúl. Para el otoño/invierno 2026, presenta una colección centrada en la *Elegancia Comandante*, inspirada en la personalidad de un oficial militar. Combinando una fuerza autoritaria con una sofisticación refinada, la colección
————– ———————————————————————–
Moda Augusta
*54°N* se inspira en la rica historia sartorial de Edmonton, tejiendo la nostalgia con una expresión contemporánea y dinámica. Recordando a diseñadores tradicionales como The Flesche Bros. y GWG, la colección reinterpreta la herencia a través de una lente atrevida, ligeramente fuera de lo común y delicadamente etérea. Finas lanas y sedas de alta calidad contrastan con siluetas funcionales, mientras que los colores saturados confieren una energía distintiva a cada prenda. Incluyente en cuanto al género, versátil y artesanal, *54°N* encarna la visión de Augusta de la moda canadiense definida en sus propios términos.
————– ———————————————————————–
aim/Aimme
Nacida de un estudio fotográfico fundado en Asahikawa, Hokkaido, aimaimme va más allá de las convenciones de la fotografía ceremonial tradicional japonesa. Con oficinas en Harajuku e Ikebukuro en Tokio, así como en Sapporo, la marca reúne a un equipo multidisciplinar de fotógrafos, estilistas de maquillaje y peluquería, diseñadores y asesores. Unidos por un compromiso con la innovación, crean expresiones visuales distintivas y espacios cuidadosamente diseñados. Mediante este enfoque colaborativo, aimaimme ofrece a cada cliente una experiencia profundamente personal, memorable y atractiva.
